10 forskjeller funnet mellom Hollywood og kunstverdenen.
Se for deg filmindustrien med en "kunstnerisk" tankegang. Det ville ikke lenger være en industri, ettersom publikum ikke ville gå på kino for å bli underholdt. Filmregissører vil basere filmskaping på vilkårlig handling, og avvise ideen om konkurranse til fordel for å forfølge selvoppfyllelse. Tross alt, hvem trenger et publikum for å bekrefte om man har lyktes eller ikke når et kunstpoliti kan ta disse avgjørelsene i stedet? Men "kunstneriske" ideer har ennå ikke infisert filmindustrien – en industri forankret i teater utviklet under den gylne perioden i antikkens Hellas. Filmer er ikke laget av hensyn til selvoppfyllelse eller innovasjon. De følger de strenge reglene som er definert av Aristoteles Poetikken og eksemplifisert ved tragedier som Kong Ødipus. I Hollywood sier de: "Gjør det til det samme komplekse familiedramaet - bare annerledes". Det er visse måter ting gjøres på og visse teknikker som fungerer, og disse favoriseres fremfor de som ikke gjør det. Fra filmindustrien til kunstverdenen er forskjellene klare – hovedsakelig fordi hver enkelt kan spores til to tenkere:
Den første er Aristoteles. Han er faren til Hollywood, og forfatteren av den mest innflytelsesrike boken om poesi kalt Poetikken – kjent for en sterk tro på den empiriske naturen, og for en rasjonell bruk av det greske ordet "techne" (som betyr "ferdighet", "vitenskap" eller "disiplin" som kan læres og læres, men feiloversatt av mange til kunst ' i sin moderne forstand).
Den andre er Immanuel Kant. Han definerte og dannet kunst slik vi kjenner den i dag, ved å fremme det som har blitt kalt en "kopernikansk vending": i stedet for å studere objektet (f.eks. et maleri), bør man studere det vurderende sinnet (faget) for å finne ut om et verk av kunst er vakker eller ikke. I stedet for å lære av hverandres mening, er bare én dom gyldig: den rene smaken (a priori).
Så hvorfor suksessen med Hollywood, men floppen med kunst? Svaret finnes i ti sentrale distinksjoner:
1. Originalitet La oss si at en maler vil lage om St. Anne av Da Vinci – med den hensikt å lage et bedre verk enn originalen. Denne bestrebelsen ville, ifølge Kant, undergrave "ideen" bak originalen. I tillegg ville Hegel anse den stakkars mannen som en fredløs for å forråde pliktene til sin tid. Derimot kunne en filmskaper lykkes med å gjenskape Romeo og Julie, gitt sitt grunnlag på tragediens naturlige regler – og i beste fall gjøre det enda bedre enn dets forløpere (som sies å være mer enn tusen!). Filmregissører lager ikke som artister filmer for å si sin egen stemme, men for å avsløre universelle sannheter, uavhengig av om det er gjort før – så lenge det er av høy kvalitet...
Da Vinci selv gjenskapte flere av sine egne malerier, blant annet Mona Lisa og, ikke minst; St. Anne (tegning), og det senere maleriet av samme emne. (Til venstre: Jomfruen og barnet med St. Anne, Høyre: Jomfruen og barnet med St. Anne og døperen Johannes)
Da Vinci selv gjenskapte flere av sine egne malerier, bl.a Mona Lisa og ikke minst; St. Anne (tegning), og det senere maleriet av samme emne. (Igjen: Jomfruen og barnet med St. Anne, Høyre: Jomfruen og barnet med St. Anne og St. Johannes døperen)
2. Plausibilitet Gudfaren er en historie fortalt og vist på overbevisende måte. Hvis en film tar sikte på å være tro mot livet (eller overbevisende realistisk), men ikke klarer det, kan ikke feilen tilgis. Selv figurative malere i dag jobber på måter Aristoteles aldri ville tolerert, på grunn av mangel på plausibilitet. Med symbolske skildringer av dyr og mennesker i særegne stillinger og gjenstander bundet sammen som aldri kunne kombineres i det virkelige liv; disse malerne tilhører mer fantasi enn poesi. Ifølge Aristoteles burde et maleri som inneholder umuligheter få betrakteren til å tro at det kunne skje, fordi dette ville bringe det innenfor fornuftens rekkevidde. Hele poenget med kunst er imidlertid at produktet skal ikke være troverdig for livet.
Historiefortelling: Hvis det fungerer for Hollywood, hvorfor ikke for malere også? (Bilde: et øyeblikksbilde fra Chaplins The Kid)
3. Historiefortelling "Men dette er åpenbart," sier du, "selvfølgelig skal en film fortelle en historie, men ting av den typen har ingenting med kunst å gjøre". Helt riktig, da kunst handler om design. Igjen, det er figurative malere som ikke følger ideene til Aristoteles, da de tar for gitt at historiefortelling er noe som finnes i filmer – og ikke malerier. I filmbransjen er filmen midlet og historien er slutten. Modernister er av den oppfatning at kunst bør være begge midler og slutten. Som kitsch-maleren og læreren Jan-Ove Tuv bemerket etter å ha sett gjennom en bok om impresjonistiske malere: «Den eneste gangen en figur ble avbildet med åpen munn, var når modellen gjespet». Caravaggio er et godt eksempel på en maler som nesten ikke kunne unngå fortellingen i verkene sine, og produserte det ene historiske maleriet etter det andre. Mennesker elsker å bli fortalt historier, og dette er hovedgrunnen til at de tiltrekkes av film og teater.
4. Ironi Selv om Hollywood produserer komedier (som naturligvis er ironiske), har ikke bransjen problemer med de mer seriøse formene for drama, og hvorfor skulle de det? Tragedier er høyere verdsatt enn tegneseriefilmer, og har en større tendens til å bli klassikere. Filmsjangre er ikke et spørsmål om rett eller galt, men et spørsmål om marked. I kunsten er rett og galt like tilstede som i religion, og en kunstner kan ikke være noe men ironisk, da melodrama og sentimentalitet tilhører de mer lavt rangerte og 'kitschy'. Aristoteles karakteriserer komedie som en forvrengt maske av stygghet, og som en representasjon av mennesker som er mindreverdige, mens tragedie som en representasjon av overlegne og edle mennesker.
5. Sammenligning Det er en naturlig ting å sammenligne; mennesker sammenligner filmer hele tiden, og disse dommene skaper konkurranse. Konkurranse er forbudt i kunstverdenen, da store verk er "beyond sammenligning". Et maleri er med andre ord autonomt. Uten konkurranse ville man imidlertid ha en herskende mening – befale folk å like dette og å like det, uten hensyn til ytre overbevisning.
Den fortapte sønn av Rembrandt er poetisk representert, og viser oss noe vi vet. Du trenger ikke ha et nært forhold til faren din for å like dette maleriet, siden det er en universell skildring av en omfavnelse mellom to mennesker. (Bilde: The Return of the Prodigal Son av Rembrandt)
6. Identifikasjon En grunnregel i Hollywood er at seeren må identifisere seg med helten på bildet (hvis det er en), eller generelt med de dramatiske hendelsene. Aristoteles uttaler i sin Poetikken at representasjoner appellerer til oss fordi vi i representasjon gjenkjenner noe vi har sett før, i motsetning til noe ukjent. Denne 'ukjente' – eller divergensen – er tydelig synlig i kunstverdenen, der direkte identifikasjon mellom tilskueren og verket ikke eksisterer. Men en representasjonsmaler, ja, selv en semi-representasjonsmaler har allerede forpliktet seg til et objektivt prinsipp.
7. Utover overflaten Platon trodde på en verden utenfor vår egen - en sann og uforanderlig virkelighet av ideer. Kant tilhører denne tradisjonen, med sin "ting i seg selv", som ikke kan nås med våre sanser, men bare gripes gjennom ren smak og frembringes gjennom genialitet alene. Han beskrev det som «verkets sjel» – Noe utenfor overflaten av f.eks. en skulptur. Men snakker om sjelen til en Hollywood-film som Gladiator ville være absurd, siden målet er å fremkalle følelser av medlidenhet og frykt. Dermed følger det at folk ikke ser filmen for å søke etter det de ikke kan se.
8. Glede Kant sa at et verk verken skulle produseres gjennom nytelse, eller nytes av betrakteren. Å delta på en kunstutstilling virker som å gå til søndagskirken, kreve en stille kontemplasjon, gå fra et tomt rom med hvite vegger til et annet. Kinoene er ganske dramatiske, med mørke rom, og tar sikte på å skape forbauselse hos publikum. På den ene siden er det Kant, som forklarer alt som er forbudt – mens Aristoteles, på den andre, avslører triksene for hvordan man kan lykkes i sine dyder, og imponere sitt publikum gjennom “bedragelige” trekk, som –
Når du ser en utmerket film, er det noen gang mer enn det som møter øyne og ører? (Bilde: en scene fra Gladiator)
9. Innredning Sophocles var den første forfatteren i antikkens Hellas som introduserte scenemaleri til teatre, og ble rost av Aristoteles som den eneste dramatikeren som brukte korelementet som en del av historien som fant sted på scenen. Han kalte iscenesettelsen en følelsesmessig attraktiv egenskap ved et teaterstykke. Men, tilhører ikke slike attributter mer scenemaleren eller musikeren enn Sofokles? Kant krever at forfatteren, eller kanskje maleren, står naken foran oss med hans kunst, utelukket fra forstyrrende funksjoner som bilderammer, som heller forstyrrer vår sannferdige vurdering av objektet. Men hva ville filmer vært uten det dekorative musikalske elementet, levert av komponister som Bernard Herman og Hans Zimmer? Denne kilden til intens nytelse, ifølge Aristoteles, er en levedyktig egenskap som Kant anser som den minst kunstneriske formen, siden dens eneste mål er å behage våre sanser.
10. Grunn Å forklare hvorfor en film er godt laget er helt rimelig, men å danne seg en mening om et maleri basert på objektive regler, er plutselig utelukket. Denne forskjellen er avgjørende. Aristoteles, fornuftens far, var også far til Hollywood, med sine korte forfatterskap om poesi. Logikken finnes i hvordan en filmscene lages, og måtene plott er konstruert på. Alt handler om "hva som fungerer". Kunstverdenen er annerledes. Fra det ekte, til det utenkelige, til det ukjente, og til slutt, til den noumenale verden, har Kant forsømt enhver logisk vei for å utlede en forklaring.
Se for deg nå kunstverdenen med aristoteliske prinsipper. Det ville ikke lenger være kunst, men kitsch – ifølge definisjonene av de to begrepene. Hvis kunstverdenen fungerte etter aristoteliske prinsipper, ville museer for moderne og samtidskunst bli fylt med besøkende, akkurat som kinoer er fylt med mennesker som søker underholdning. I utstillinger ville malerier bli innrammet og presentert i mørke rom med dramatiske lyskastere, for å trigge publikum – ja, hvorfor ikke inkludere litt musikk også? Ikke flere unnskyldninger for malerier å glede seg over for egen regning, men konkurranser og prisvinnende priser til de mest naturtro imitasjoner, som i gamle olympiske leker. For å parafrasere Ayn Rand - "med Aristoteles' filosofi kan vi få den største renessansen som ennå er sett på denne planeten."
I sin bok Titian and Tragic Painting argumenterer Thomas Puttfarken for at det var Aristoteles' poetikk som endret den sene Titians kurs i arbeidet hans, ikke hans økende alder. (Bilde: Detalj av Titians Pieta)
Tilbake til poesi
Generelt ukjent, Aristoteles Poetikken ble først populær på 1500-tallet, som ble verkets høydepunkt, og ifølge kunsthistorikeren Thomas Puttfarken inspirerte og forårsaket endringen av Titian i hans sene levetid. Titian ble absolutt slått av Aristoteles' idé om høyde - å etterligne den menneskelige formen, men fullføre det naturen ikke kunne bringe til en slutt.
Kan Aristoteles ha skrevet boken sin til forsvar for poesi fra andre truende ideer? I likhet med sin etterfølger, Immanuel Kant, la Platon vekt på den utenomsanselige verden, som for Aristoteles ikke var mer enn en abstraksjon. Aristoteles mente at man må se på hestens egenskaper og hva som kan være dens bruk før man begynner å lete etter hva som ligger bak den. Men for Platon var poesi mindre "autentisk" enn naturen, siden den var en imitasjon av en imitasjon. Følgelig forårsaket poesi mer ondskap enn godt for mennesket og burde derfor forvises for "sannhetens" skyld - den "sanne" verden bak vår egen (Platons Republikk, bok 10).
Men hva skjer når sivilisasjoner favoriserer det usynlige for livet på jorden? Var det ikke denne troen som fikk de kristne til å rive i stykker den hellenistiske kulturen – og inventaret av katolske kirker under Luthers reformasjon?
(Engelsk oversettelse av Anne Herrero)
Drifting
28 000 kr
Spedbarn
50 000 kr
Kjærlighetspar
26 000 kr
Vi har inngått samarbeid med Det Gylne Galleri
Nå kan du bestille litografier innrammet av Det Gylne Galleri i Tønsberg – drevet av Madeleine Skarsteen og Nicolai Aschim, som viderefører fire generasjoners erfaring i innrammingskunsten. Et utvalg av Odd Nerdrums trykk vil også være å se i galleriet som ligger i Tønsberg sentrum ved siden av Farmandstredet. Galleriet tilbyr lokal henting av bestilte trykk i deres nye butikk i Drammen samt Oslo, hvor de samarbeider med Det Gylne Snitt. Lokale Pickup Points: Det Gylne Galleri, Håkon Gamles gate 1A, 3111 Tønsberg Det Gylne Galleri, St.Olavsgate 3, 3017 Drammen Det Gylne Snitt, Frognerveien 24, 0263 Oslo Odd Nerdrums trykk kan bestilles med vår standard levering i passepart 9AR med passepart 9AR. (92% ultrafiolett beskyttelse) fra vår nettbutikk. Trykk i begrenset opplag av Odd Nerdrum:
Kitsch møter kunst: Nerdrum & Melgaard utstilling i Oslo
To verdener kolliderer når utstillingen Nerdrum & Melgaard åpner 18.00 torsdag 7. november på Fineart Oslo. Showet vil inneholde trykk i begrenset opplag av to av Norges mest innflytelsesrike og kontroversielle personer i henholdsvis kitsch- og kunstverdenen. Odd Nerdrum og Bjarne Melgaard representerer diametralt forskjellige, men kraftfulle visjoner: førstnevnte med sin klassiske figurasjon, med fokus på tidløse bilder og sårbarhet, og sistnevnte med sin tidsriktige, ekspressive stil, som griper inn i seksualitet, identitet og livets grusomhet. Utstilt vil være nyere så vel som ærverdige trykk som har bestått tidens tann, originale tegninger, skulpturer og et unikt samarbeidende selvportrett. Dette dobbeltportrettet avslører de motsatte uttrykksformene - og gir publikum en mulighet til å sammenligne de to nøye. Odd Nerdrum og Bjarne Melgaard ble i fjor enige om å gjøre et samarbeid. Her sammen med gallerist Rolf Stavnem. Foto: Naina Helén Jåma / VG NRK vil være tilstede og dekke åpningen, som vil inneholde åpningsord fra eiendomsinvestoren Christian Ringnes og sjefredaktør i Subjekt, Danby Choi.
Rembrandts melankoli og de klassiske verdier
Vil du vite hvordan sinnet til vår tids største klassiske maler fungerer? Lurer du på hva "klassiske verdier" egentlig er? Og hvorfor melankoli er så viktig for oss? Odd Nerdrum og hans tidligere elev Jan-Ove Tuv setter seg ned til en samtale i bygget som er Nerdrum-museet i skapelse: Det gamle Pipehuset på Agnes plass utenfor Stavern. Med en filosofisk tilnærming til maleriet vil diskusjonen gå utover strekene og forsøk på å forklare meningen med maleri. Bli med på en times samtale om: • Viktigheten av Rembrandts melankoli• Hvorfor historiefortelling er så viktig for oss• Hvorfor «moderne» verdier er ødeleggende for klassiske malere og publikum. Arrangementet finner sted 14. september kl 17:00 – 18:00. Billetter er nå tilgjengelig.
Norsk bokmål